Francia otorgó al artista colombiano Pedro Ruiz la Orden de Caballero de las Artes y las Letras. Retrato de un hombre riguroso y retraído, cuya obra incorpora elementos kitsch y una mirada hiperrealista.

 

Una luz opaca se cuela por la ventana del estudio de Pedro Ruiz y parece mezclarse con las notas de Cosi fan tutte de Mozart. Allí, donde todo es pulcro -techos altos, acabados nuevos, una cocina abierta y moderna, butacas retro que se usaban en los diners de los 50, y una delicada disposición de cuadros y pinturas- se revela el espacio de un hombre riguroso.

 

Pedro, entrecano y con rasgos afilados, también irradia ese cuidado en el vestir. Ese refinamiento, esa minuciosa aprehensión de las cosas, es una señal importante al admirar su obra. Ambos, artista y creación, son impulsados por un perfeccionismo que lo hace afirmar, a pesar de una larga y prolija trayectoria, que no se siente consagrado. El camino del arte, que comenzó a los siete años cuando se dedicó a dibujar cuchillos, lámparas y objetos, seguirá siendo un asunto inconcluso. De niño y ahora de adulto, dibuja con precisión, de forma meticulosa, casi obsesionada con lo hiperreal.

De pequeño se sentía frágil frente a un mundo que le parecía difícil, denso y saturado. "Mi corazón me dijo que debía dibujarlo con riguroso realismo para no dejarlo escapar. Ser artista no era mi ambición sino como decía Pessoa, mi manera de estar solo", dice.

 

El impulso creador se mostró entonces como un deseo de salvación, de búsqueda permanente. Ruiz se empeñó en no hacer de su arte un asunto sensiblero y superficial. Aunque era un niño asustadizo, sus primeros trabajos fueron bien recibidos, especialmente sus desnudos femeninos que se vendían en los recreos escolares. "La clave estaba en aumentar ciertas áreas de la anatomía", recuerda en tono mordaz.

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En su casa fluía la intelectualidad, pues su padre, un reconocido ex ministro, tenía un estudio abarrotado de libros. En ese espacio, uno de sus preferidos, Ruiz se entregaba a la lectura de El libro de tierras vírgenes, de Kipling, que le reveló uno de los principios claves de su arte: la naturaleza.

Contrariado al finalizar la etapa escolar, se negó a convertirse en artista. Se fue de la casa a vivir con amigos y tomó un trabajo modesto. Pasó hambre. Recuerda que un hombre con seis dedos, al notarlo, le cedió su sopa en una tienda, y que un mensajero de la empresa en la que laboraba le ofreció un plato de fritanga. "Fue hermoso ver cómo esas personas se preocupaban por mí. Allí aprendí que el mundo es más solidario de lo que parece. Algunos comentan que mi obra tiene un dejo de ingenuidad, pero más que eso se trata de una manera de ver el mundo". En otras palabras, se trata de ver lo bello en medio de la fealdad.

 

Con la mente más clara, Ruiz se embarcó a París donde estudió en la Escuela de Bellas Artes y. sin más resistencias, se convirtió en artista. Regresó en 1983, trabajó en una agencia publicitaria y presentó su obra al Salón Nacional de Artistas.

 

Más tarde, sería el mentor detrás de proyectos como la Biblioteca Natural -donde cada artista recibía un anaquel para reflexionar plásticamente sobre el conocimiento en Colombia y Chachachá, una tienda en la que se montaban pasarelas, desfiles y deliberaciones sobre moda. Luego hizo parte de Nadieopina, un colectivo que se proponía deshacer la imagen del artista como genio creador. De todas esas invenciones le quedó un sinsabor: el de sentir que no era un artista contemporáneo y de preferir, en cambio, lo retro, lo humorístico, lo kitsch.

 

De ahí nació Lave is the air, cuyo eje era repensar con humor la fumigación de los cultivos de amapola y el sentido del amor. En uno de los recintos de la exhibición, a oscuras, sonaba la canción Amapola de Los Panchos. Al llegar el bolero a su climax, las luces se encendían y muchas amapolas aparecían, pintadas sobre hojas arrancadas de revistas. "Era una reflexión sobre el amor real, el compasivo". Emblemas de aquella obra: pinturas de los campos fumigados y un soldado ataviado en un traje hecho de la flor roja.

 

Más adelante vendría Oro, la obra donde confluye con más vigor el imaginario de Ruiz. De nuevo en un recinto a oscuras, se observan 30 pinturas minúsculas, con fondos dorados, insertadas en guacales que parecen flotar en el aire. Para mirarlas es preciso usar la lupa que las acompaña. En cada una aparece una delgada barcaza, conducida por un pescador. ¿Qué cargan? Una, lleva una pintura de Carlos Rojas; otra, una iglesia de Cali rodeada de flores amarillas. Luego se suceden un tigre mariposa, ballenas jorobadas, guacamayas, guaduales, la letra de la canción Alicia adorada y la Catedral de Cartagena de Indias.

 

Después de 22 años de carrera, de exhibiciones individuales en Casa Reigner, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y en el Museo de Arte Moderno de Cartagena; de participar como fundador en varios proyectos colectivos; y de ganar con Nadieopina la convocatoria para las exposiciones de la Galería Santa Fé en 2002, Pedro Ruiz conserva una aguda y refinada percepción que le permite ver lo que otros no pueden. La prueba de ello está en Oro, que representó un retorno a la plástica realista, a un escenario interior que no ha cambiado, como su estudio. Es él, el propio Ruiz, solitario, refinado y riguroso.

 

Tomado de la Revista Avianca No.67, octubre de 2010

 

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